La música worship, desde sus inicios, ha sido un vehículo esencial para la expresión espiritual y la adoración. Ha servido como un puente entre lo divino y lo humano, permitiendo que las personas se conecten con su fe de una manera profunda y emocional. Al mismo tiempo, la música popular ha sido una fuerza poderosa en la cultura secular, reflejando las cambiantes tendencias sociales, políticas y personales de cada época. A medida que estos dos mundos musicales han evolucionado, hemos visto cómo se han entrelazado y cómo han compartido elementos creativos que han enriquecido a ambos.

Rosanny Moreno considera y comparte que la música puede tocar corazones así como cambiar vidas

En este artículo, exploro cómo cada década ha traído consigo cambios significativos tanto en la música worship como en la música popular. Desde la influencia del rock ‘n’ roll y el folk en los años 60 y 70, hasta la era digital y la globalización en el nuevo milenio, veremos cómo estos géneros han moldeado y reflejado nuestras experiencias colectivas. Acompáñenme en este recorrido por la historia musical y descubramos juntos las fascinantes intersecciones y divergencias entre la música worship y la música popular.

Décadas de 1960 y 1970: Comienzos de una transformación

En los años 60 y 70, la música popular estaba en pleno auge con el rock ‘n’ roll y la música folk. Artistas como The Beatles y Bob Dylan marcaban la pauta, mientras que en el ámbito worship, el enfoque estaba en himnos tradicionales y cantos congregacionales. En esta época, la música worship era más estructurada y solemne, con letras centradas en la adoración a Dios.

Décadas de 1980 y 1990: La fusión de géneros

Durante los 80 y 90, la música popular experimentó una explosión de géneros, desde el pop hasta el rap y el grunge. Artistas como Madonna, Michael Jackson y Nirvana dominaban las listas de éxitos. Mientras tanto, la música worship comenzó a incorporar elementos contemporáneos, dando lugar al nacimiento de la música worship contemporánea. Bandas como Hillsong y Delirious empezaron a introducir guitarras eléctricas y baterías en sus canciones, creando un sonido más accesible y emocional.

Década de 2000: La era digital y la globalización

Con la llegada del nuevo milenio, tanto la música popular como la worship se vieron influenciadas por la digitalización y la globalización. La música popular adoptó la tecnología con fuerza, con géneros como el EDM y el hip-hop a la vanguardia. La música worship, por su parte, también se adaptó a la era digital. Plataformas como YouTube y Spotify permitieron que artistas worship llegaran a una audiencia global, y el sonido se volvió aún más diverso, con influencias de diferentes culturas y estilos musicales.

Década de 2010 hasta la actualidad: Convergencia de influencias

En la década de 2010, vimos una mayor convergencia entre la música worship y la popular. Artistas populares comenzaron a colaborar con músicos worship, y viceversa. Canciones de adoración como «Oceans» de Hillsong United lograron éxitos comerciales y se escucharon en estaciones de radio junto a éxitos pop. La música worship comenzó a adoptar más elementos de producción moderna, mientras que algunos artistas populares exploraron temas espirituales en sus letras.

En la actualidad, la línea entre la música worship y la música popular sigue difuminándose. La influencia mutua es más evidente que nunca, con artistas worship alcanzando audiencias masivas y músicos populares incorporando elementos de adoración en sus canciones. Esta interconexión ha llevado a una mayor diversidad y riqueza en ambos géneros, ofreciendo a los oyentes una experiencia musical más profunda y significativa.

Fuente de esta imagen referencial: John Price en Unsplash

Me enorgullece y motiva, como cantautora y pianista worship, haber tenido el privilegio de ser testigo de esta evolución y de cómo la música puede tocar corazones y cambiar vidas. La música worship ha recorrido un largo camino desde sus comienzos más tradicionales, adaptándose y evolucionando junto a la música popular, de manera que estoy muy emocionada de ver hacia dónde nos llevará este viaje musical en el futuro.

MÁS ALLÁ DE LAS ESTRUCTURAS MUSICALES

El worship es un género musical cristiano cuyo objetivo es conectar al adorador con Dios a través de letras que expresan adoración, gratitud, alabanza y devoción. Aunque se caracteriza por el uso de guitarras eléctricas con swell, pads y acordes simples, puede incorporar géneros como rock, pop, baladas, música electrónica y gospel.

Las canciones, diseñadas para ser fáciles de cantar, permiten la participación activa de la congregación y buscan crear una atmósfera espiritual profunda. Suelen usar la repetición de frases para ayudar a meditar y reflexionar sobre la fe.

A lo largo del tiempo, el worship ha evolucionado en muchas iglesias, adoptando influencias contemporáneas y manteniendo elementos tradicionales, siempre priorizando la simplicidad para destacar el mensaje espiritual.

La autora y fuente de estos conceptos e información

Rosanny Moreno

Rosanny Moreno, más conocida como Tanis Music, es una talentosa cantautora, músico, escritora, educadora y life coach. Dirige su academia (Tanis Music Academy), en Miami, Florida, donde forma a las nuevas generaciones en la grandeza de la música, guiándolos para que puedan tocar, escribir canciones y adorar a Dios a través de las notas musicales.

Con más de 10 años de formación musical, domina instrumentos como el piano, la guitarra y la batería. Además de su pasión por el canto, ha estado inmersa en las artes, la tecnología y el diseño desde temprana edad.

Hace algún tiempo, comenzó a crear contenido para redes sociales, inspirando a través de la escritura, la fotografía y la música, dones que considera un regalo de Dios.

Redes sociales: @tanis.music

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«Cada vez que me siento frente a un grupo de niños o jóvenes para enseñarles batería, recuerdo mis propios inicios. La emoción de descubrir un instrumento tan poderoso, la curiosidad por entender cómo cada golpe podía transformarse en música, y la disciplina que poco a poco fui aprendiendo, son experiencias que me marcaron para siempre. Hoy, como maestro y examinador oficial de Yamaha, tengo la certeza de que enseñar batería no es solo transmitir técnica: es sembrar valores y abrir caminos hacia un futuro musical y humano más sólido».

-La formación temprana es fundamental. Un niño que se acerca a la batería no solo está aprendiendo a coordinar manos y pies, también está desarrollando concentración, paciencia y capacidad de escucha. He visto cómo estudiantes que al principio apenas podían sostener las baquetas, con constancia y motivación, logran ejecutar patrones complejos y, más importante aún, descubren la confianza en sí mismos. Esa transformación es la mayor recompensa para un maestro y mentor: ver cómo la música se convierte en una herramienta de crecimiento personal.

«La motivación es otro pilar esencial. No todos los estudiantes llegan con la misma facilidad ni con los mismos intereses. Algunos sueñan con tocar rock, otros salsa, otros con jazz. Mi labor como educador es mostrarles que la batería es un universo amplio, donde cada estilo tiene algo que aportar. Cuando un joven entiende que puede expresarse a través del instrumento, que puede encontrar su propia voz rítmica, entonces la práctica deja de ser una obligación y se convierte en pasión. Esa chispa es la que asegura que sigan adelante, incluso cuando los ejercicios se vuelven más exigentes».

-La disciplina, por su parte, es el puente entre el talento y la realización. Enseñar batería implica insistir en la importancia de la práctica diaria, de la repetición consciente, de la búsqueda de precisión sin perder musicalidad. Pero la disciplina no debe ser vista como una carga, sino como un hábito que fortalece la mente y el carácter. En mis clases siempre insisto en que la batería no solo forma músicos, también forma personas capaces de enfrentar retos con constancia y resiliencia.

Magia de la educación musical: La enseñanza de la batería siendo escuela de valores

«Creo firmemente que la enseñanza de la batería debe ser también una escuela de valores. La paciencia para esperar resultados, la constancia para superar dificultades y la creatividad para encontrar soluciones son aprendizajes que trascienden la música. He visto cómo estudiantes que comenzaron tímidos y reservados se convierten en jóvenes seguros, capaces de trabajar en equipo y de expresarse con libertad. Esa es la verdadera magia de la educación musical: no solo prepara intérpretes, prepara seres humanos completos».

-Cuando pienso en el futuro de la percusión, lo imagino en manos de esta nueva generación que hoy se forma en las aulas y academias. Ellos serán los encargados de llevar la batería a nuevos territorios, de fusionarla con otros géneros, de explorar sonidos que aún no conocemos. Mi responsabilidad, como maestro, es inspirarlos a creer en su potencial, a entender que cada golpe que dan no es solo un ejercicio, sino una palabra en un lenguaje universal que seguirá evolucionando.

«La batería, más que un instrumento, es un camino. Y enseñar a recorrerlo es, para mí, una forma de asegurar que el futuro de la música siga latiendo con fuerza, creatividad y humanidad«.

Bio del autor de estos conceptos: Arnoldo D. Portillo R.

El baterista y docente musical Arnoldo Portillo

Arnoldo David Portillo Rincón es un baterista y educador venezolano con una trayectoria que combina excelencia artística, liderazgo pedagógico y proyección internacional. Nacido en Maracaibo y formado en instituciones como el Conservatorio José Luis Paz y la Academia Cemusica avalada por Yamaha, desarrolló una carrera que lo ha llevado de los escenarios zulianos a consolidarse en Miami como músico de sesión, director musical, docente y mentor.

Su experiencia incluye colaboraciones con figuras de la gaita, la salsa, el pop y el jazz, así como una destacada labor en la enseñanza musical dentro academias y colegios, donde ha transmitido no solo técnica, sino valores de disciplina, constancia o creatividad. Certificado por la Yamaha Music Foundation como examinador oficial en batería y respaldado como artista por Soultone Cymbals, Portillo ha sabido equilibrar la tradición acústica con la innovación tecnológica, convirtiéndose en un referente de versatilidad y profesionalismo en su área de ejecución de instrumentos.

En 2021 recibió el Premio Tacarigua de Oro Internacional como Baterista Impacto del Año, reconocimiento que reafirmó su influencia en la escena musical latina.

Redes sociales de Arnoldo Portillo: @PortDrums

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Actualmente, Chrome OS funciona con una característica denominada “Intensive Throttling of Javascript Timer Wake Ups”, que sirve para ayudar a conservar la vida útil de la batería del sistema.

Esta herramienta reduce el tiempo del CPU y acelera su carga para cualquier pestaña del navegador web con la que el usuario no haya interactuado en un plazo no inferior a cinco minutos. Además, hace que la página se active una vez cada 60 segundos para verificar si se están utilizando estas pestañas.

La nueva herramienta de Google Chrome incrementó el rendimiento del ordenador en un 10%

Ahora, la empresa trabaja en otra función llamada “Quick Intensive Throttling Of Loaded Background Pages” para la versión de Chrome OS 105, tal y como advirtieron en Dev Channel.

Esta nueva característica mejora aún más el acceso del temporizador de JavaScript y reduce el tiempo de comprobación de 5 minutos a 10 segundos. A partir de ese momento, Chrome considera una página o pestaña esencialmente inactiva, por lo que reduce la carga de trabajo del CPU del dispositivo y se extiende su autonomía, según explicó la página dedicada a las funciones del navegador.

Desde Google señalaron que estas pruebas con la nueva herramienta no registraron ninguna regresión y que, gracias a ella, el consumo del ordenador experimentó una «mejora significativa», en aproximadamente un 10 %.

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María Gabriela Moncada

Con información de agencias de noticias y medios internacionales

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«Ser baterista profesional en el mundo actual es un reto que va mucho más allá de dominar la técnica. Hoy, la música se mueve en un escenario globalizado, donde los géneros se mezclan, las audiencias son diversas y las oportunidades exigen preparación integral. En este contexto, el baterista ya no puede limitarse a ser un ejecutante correcto: debe ser un artista versátil, disciplinado y consciente de la importancia de construir una identidad propia que lo distinga».

-Mi experiencia como músico de sesión y director musical me ha enseñado que la versatilidad es una de las cualidades más valiosas. He tenido la oportunidad de acompañar a artistas de géneros muy distintos, y cada uno de esos encuentros me ha exigido adaptar sin perder mi esencia. En un mismo mes puedo pasar de tocar gaita zuliana a salsa, de ahí a un proyecto pop y luego a un ensamble de jazz. Cada estilo tiene sus códigos, sus acentos y su energía particular, y el baterista debe ser capaz de entenderlos y traducirlos en su instrumento. Esa capacidad de adaptación es lo que abre puertas en escenarios internacionales, porque el músico que domina un solo lenguaje corre el riesgo de quedarse encerrado en él.

«Pero la versatilidad no se logra sin disciplina. La batería es un instrumento que exige constancia diaria, no solo en la práctica técnica, sino también en el cuidado físico y mental. La resistencia, la precisión y la capacidad de mantener la concentración durante largas sesiones de grabación o conciertos extensos dependen de una rutina de estudio y de hábitos de trabajo sólidos. He aprendido que la disciplina no es una carga, sino una aliada: es la que me permite llegar preparado a cada ensayo, responder con seguridad a los imprevistos y sostener la confianza de los artistas que confían en mí».

Las plataformas digitales brindan la posibilidad de mostrar nuestro estilo, compartir conocimiento y conectar con audiencias que están más allá de las fronteras cercanas

-Ahora bien, en la era global o de la globalidad no basta con ser un buen músico; también es necesario proyectar una marca personal. El baterista que se limita a “estar detrás” pierde la oportunidad de construir un nombre propio. Hoy, gracias a las plataformas digitales, tenemos la posibilidad de mostrar nuestro estilo, compartir nuestro conocimiento y conectar con audiencias que están más allá de nuestras fronteras. Para mí, la marca personal no se trata de buscar protagonismo, sino de transmitir una identidad clara: que cuando alguien escuche mi forma de tocar, pueda reconocerla y asociarla con un sello de calidad y autenticidad.

«El éxito, entonces, no depende únicamente de la técnica. He conocido bateristas con una destreza impresionante que, sin embargo, no logran consolidar una carrera porque descuidan su ética de trabajo o no saben proyectar su identidad. La técnica es la base, pero lo que realmente sostiene una trayectoria es la combinación de versatilidad, disciplina y marca personal. Esa tríada es la que convierte a un baterista en un profesional capaz de trascender fronteras y mantenerse vigente en un mundo musical cada vez más competitivo».

-Hoy, cuando miro hacia atrás y repaso los escenarios en los que he tenido el privilegio de tocar, confirmo que cada paso ha sido resultado de esa visión integral. No se trata solo de tocar bien, sino de ser un músico confiable, adaptable y con una voz propia. Ese es, para mí, el verdadero significado de ser baterista profesional en esta era global: un artista que no solo acompaña, sino que lidera, inspira y deja huella.

Baterista Arnoldo Portillo, datos del autor

Arnoldo David Portillo Rincón es un baterista y educador venezolano con una trayectoria que combina excelencia artística, liderazgo pedagógico y proyección internacional. Nacido en Maracaibo y formado en instituciones como el Conservatorio José Luis Paz y la Academia Cemusica avalada por Yamaha, desarrolló una carrera que lo ha llevado de los escenarios zulianos a consolidarse en Miami como músico de sesión, director musical, docente y mentor.

Su experiencia incluye colaboraciones con figuras de la gaita, la salsa, el pop y el jazz, así como una destacada labor en la enseñanza musical dentro academias y colegios, donde ha transmitido no solo técnica, sino valores de disciplina, constancia o creatividad. Certificado por la Yamaha Music Foundation como examinador oficial en batería y respaldado como artista por Soultone Cymbals, Portillo ha sabido equilibrar la tradición acústica con la innovación tecnológica, convirtiéndose en un referente de versatilidad y profesionalismo en su área de ejecución de instrumentos.

En 2021 recibió el Premio Tacarigua de Oro Internacional como Baterista Impacto del Año, reconocimiento que reafirmó su influencia en la escena musical latina.

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Así lo anunció la marca Redmi, propiedad de Xiaomi, a través de la red social china Weibo, donde ha dado a conocer algunas especificaciones antes de la presentación de la serie, que ya informó de que tendrá lugar el 28 de octubre.

La batería es uno de los aspectos que Xiaomi destacó más, y tendrá un sistema de carga rápida de 120W con celda dual, en la que el voltaje se reduce para mejorar la seguridad (contará con certificación TÜV Rheinland de seguridad) y la conexión es en paralelo, lo que rebaja la resistencia.

El sistema de carga rápida de 120W de Redmi Note 11 se introducirá en un cuerpo con un perfil de 8,34 milímetros que en su interior cuenta también con refrigeración líquida que cubre completamente la placa base para reducir la temperatura y que está compuesta de grafito tanto por delante como por detrás.

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Gabriela Morales

Con información de dpa